La galleria Thomas Brambilla è orgogliosa di presentare la prima mostra personale in Italia dell’artista americano David Novros (1941, Los Angeles), intitolata Portable Murals, con una seconda mostra personale dell’artista, intitolata Coppers, presso l’Ex Oratorio di San Lupo in collaborazione con la Fondazione Adriano Bernareggi.

David Novros, artista americano e membro del collettivo Park Place gallery di SoHo, nonché uno dei primi artisti, assieme a Brice Marden, Dorothea Rockburne, Chuck Close e Ralph Humphrey, della rinomata Bykert gallery di NYC, è noto principalmente per i suoi pioneristici dipinti astratti e monocromatici su grandi tele modulari ed irregolari.

Diversamente dai suoi più celebri contemporanei, come ad esempio Carl Andre, Dan Flavin e Donald Judd, i quali utilizzarono la scultura per esplorare e sviluppare la teoria minimalista, Novros, sin dall’inizio della sua carriera, impiegò esclusivamente il mezzo pittorico fino alle sue massime estensioni.

Novros è inoltre molto noto per aver partecipato nel 1969, insieme a Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Claes Oldenburg, John Chamberlain e Forrest Myers, al progetto The Moon Museum (Museo della Luna), ovvero la creazione di un piccolo “wafer” di ceramica placcato in iridio dipinto dai sei artisti sopra citati, il quale fu portato nello spazio dagli astronauti, Charles Conrad, Richard Gordon e Alan Bean, a bordo dell’Apollo 12. 

David Novros (1941, Los Angeles) vive e lavora a New York. Ha esposto nei più importanti musei ed istituzioni, incluso: Whitney Museum a New York (1970), Albright Knox Museum a New York (1970), Solomon R. Guggenheim Museum a New York (1971), MoMA a New York (1972), Documenta 5, Kassel (1972), Dallas Museum of Fine Art a Dallas (2001), MoMA PS1 (2009), Wiesbaden Museum (1991, 2013) e diversi altri.

Le opere di Novros sono conservate in diverse collezioni pubbliche, fra le quali, ad esempio: Metropolitan Museum di New York, Judd Foundation di New York, Menil Collection a Houston, Musem of Modern Art a New York, Whitney Museum di New York, al Museum Wiesbaden in Germania ed al Dallas Museum of Modern Art. 

Portable Murals

Per la mostra Portable Murals, presso la galleria Thomas Brambilla, saranno esposte quattro grandi iconiche tele modulari e quattro disegni preparativi, che al meglio esprimono la poetica dell’artista.

Le monocromatiche ed irregolari tele di Novros sono difatti composte da svariati e spessi strati di pittura acrilica e pigmenti smaltati di Murano, i quali rendono le tele lucenti e incoraggiano un’esperienza visiva cinestetica attraverso la risposta della superficie al cambiamento di luce. Come spesso ribadito dallo stesso Novros, il suo lavoro è fortemente influenzato da vasta verietà di fonti storico-artistiche; dalle pitture rupestri del Paleolitico, ai mosaici Bizantini e all’oreficeria Longobarda, alla tradizione dei grandi affreschi italiani, fino ai dipinti murali in grande scala di Barnett Newmann e Mark Rothko. Questi specifici riferimenti spinsero l’artista ad avvicinarsi alla pratica dell’affresco e ai dipinti murali, portandolo a scelte cromatiche tipiche dei colori aridi e puri degli affreschi rinascimentali.

Novros inoltre aspirava a creare un’opera che potesse al contempo andare oltre lo spazio pittorico interno della tela, al fine di coinvolgere il suo contesto architettonico circostante. L’artista ideò così quelle che lui definisce “portable walls” o muri/affreschi portatili, ovvero tele formate da più pannelli geometrici ed irregolari e grandi spazi vuoti, i quali mostrano la parete sottostante e creano così degli spazi fisici negativi. Queste rivoluzionari opere influenzarono a loro volta diversi altri artisti contemporanei, ed in particolare l’amico e collega Brice Marden con la serie di tele degli anni Settanta. 

Tuttavia, a differenza di altri artisti che utilizzavano tele sagomate e irregolari, il lavoro di Novros enfatizza maggiormente il punto di incontro critico fra la tele ed il muro, come se i suoi dipinti fossero estensioni delle pareti stesse.

ON MY SKIN è il risultato di un progetto finalizzato a mappare i tatuaggi “indossati” dagli studenti dello storico Liceo Artistico cittadini. L’obiettivo è quello di indagare un fenomeno sempre più diffuso tra i giovani, che ha molteplici implicazioni sotto il profilo culturale, espressivo e perfino antropologico. Non sono pochi, tra l’altro, gli studenti dell’ Istituto di Via Tasso che coltivano l’idea (il sogno? l’illusione?) di fare dell’arte del tatuaggio una futura occupazione professionale. Il progetto consiste in una mostra fotografica, in una pubblicazione contenente le interviste agli studenti coinvolti e un’analisi dei dati raccolti nel corso della campagna fotografica, alcuni incontri con esperti del settore, tra cui alcuni ex-studenti del Liceo che sono divenuti valenti tatuatori professionisti, noti a livello nazionale.

a cura di Enrico De Pascale

11-12-13 e 19-20 maggio 2018
concerto del duo Fabrizio Garofoli (piano) Roger Rota (sax)

START/STORIA E ARTE – SALUZZO
PREMIO MATTEO OLIVERO – 40ª EDIZIONE
RICORDARE LA MEMORIA

MARK BARROW E SARAH PARKE
ANALEMMA
CURATA DA STEFANO RAIMONDI
CAPPELLA CAVASSA, SALUZZO
27.04.2018 – 27.05.2018
Lunedì – domenica 8:00 – 19:00

Mark Barrow (1982) e Sarah Parke (1981) sono la coppia di vincitori della 40ª edizione del Premio Matteo Olivero, Ricordare la memoria, che si inserisce all’interno di start/storia e arte – Saluzzo, promosso dalla città di Saluzzo. L’organizzazione del Premio è stata affidata a The Blank Contemporary Art.

Analemma è il titolo del progetto realizzato dai due artisti newyorkesi e consiste nell’applicazione di oltre 60.000 pellicole colorate e trasparenti dalla dimensione di 1×1 cm sulle finestre della Cappella Cavassa.

L’opera si sviluppa come un intervento delicato e poetico, interagendo in modo effimero, attraverso la luce che dà corpo all’immagine, con i suggestivi dipinti e decorazioni della Cappella. Il risultato finale mescola la tecnica della vetrate e quella del mosaico, la tradizione passata e le tecnologie presenti, unendo la minuziosità dell’atto fisico necessario per ricreare i pattern alla composizione digitale degli stessi. L’immagine si sviluppa attraverso motivi diversi ma ripetuti, richiamando per certi aspetti i meandri dell’arte greca e romana antica, simbolo di infinito e unità. All’interno dello spazio lo spettatore può sentirsi disorientato: questo dialogo tra la temporalità dell’opera e della Cappella, edificata nei primi del Cinquecento, non avviene per contrasto ma piuttosto in continuità, quasi mimetizzandosi in un processo di decodifica dell’immagine, come se in qualche modo le vetrate fatte di frammenti rossi, blu, verdi e neri, potessero essere lì da sempre.

 a cura di Enrico De Pascale

5      2-31 maggio

5 Jan Fabre  (Anversa, 1958)

“Cicade in het uur blauw (I – VII)  1072089

“Cicade in het uur blauw (III – VII)   1072090

“Cicade in het uur blauw (V – VII)  1072091

“Cicade in het uur blauw (VI – VII)   1072092

(Cicala nell’ora blu)

2014

biro bic su carta e cicala

cm 44,3 x 34,7 cad.

Collezione UBI Banca, Bergamo

Al centro delle riflessioni di Jan Fabre è spesso la figura dell’artista inteso come “anti-eroe” e “martire” di una società incapace di confrontarsi coi temi cruciali della morte, della memoria, della bellezza, dell’eros. Le sue opere esibiscono una vena iperdecorativa e neo-barocca in cui elementi dell’iconografia pagana e cristiana si mescolano con figure e simboli della Vanitas, quali ossa, teschi, insetti, animali imbalsamati. I materiali impiegati sono i più diversi: dal marmo al vetro, dal bronzo al sangue all’inchjostro della biro bic. Con quest’ultimo mezzo, strettamente legato all’esercizio della scrittura manuale, Fabre ha realizzato numerose opere accomunate dalla luce azzurra sprigionata dall’inchiostro; una luce che rimanda sia ai cieli delle chiese medievali sia all”’ora blu”, a quel momento “magico” cioè che si verifica poco prima dell’aurora -preannunciando il passaggio dal buio alla luce-, o dopo il crepuscolo, nel tempo che precede l’oscurità della notte.

Jan Fabre (Anversa 1958) 

Artista multidisciplinare si è formato all’Accademia Reale di Belle Arti di Anversa esordendo con performances legate alla cultura della body-art (My body, my blood, my landscape, 1978). Celebri sono le sue sculture ricoperte da una moltitudine di iridescenti coleotteri che rimandano, come in molti dipinti della pittura fiamminga del XVII secolo) alla sfera simbolica della Vanitas, testimoniando uno stretto legame tra arte, storia dell’arte e scienza; una relazione ispirata dalla lezione del suo illustre avo, il celebre entomologo J.-H. Fabre. Ha esposto nelle principali rassegne d’arte internazionali  (Biennale di Venezia, Biennale di San Paolo, Documenta Kassel, ecc.). In anni recenti sue personali sono state allestite al MAXXI di Roma (Jan Fabre. Stigmata, 2013), nel centro storico di Firenze (Spiritual guards, 2016), all’Abbazia di San Gregorio a Venezia (Glass and Bone Sculptures 1977-2017). Nel 2008 ha avuto l’onore di una personale al Louvre.

UBI Banca  

ART UP è un’iniziativa di carattere culturale con cui UBI Banca intende offrire alla gentile clientela un incontro ravvicinato e “guidato” con le opere della sua collezione d’arte antica e contemporanea. Ogni mese, presso l’ingresso della Sede Centrale di Piazza Vittorio Veneto 8, una nuova opera d’arte (dipinto, scultura, disegno, fotografia, stampa, video, installazione, ecc.), selezionata tra quelle facenti parte della sua raccolta, viene proposta al pubblico e analizzata tramite una scheda storico-critica illustrata e collezionabile realizzata per l’occasione dallo storico dell’arte e curatore Enrico De Pascale.

La collezione d’arte della Banca, che assomma alcune centinaia di opere di età compresa tra il XIV e il XXI secolo (dipinti, sculture, disegni, fotografie, stampe, ecc.), si è formata nel corso di quasi centocinquant’anni, intrecciando le proprie vicende con quelle della Banca stessa, fondata nel lontano 1869. Una raccolta ampia e variegata capace di coniugare l’attenzione per la produzione artistica locale e nazionale – da Baschenis a Fra’ Galgario, da Piccio a Manzù, da Ghirri a Boetti – con l’interesse per le proposte più sperimentali della scena internazionale: da Kapoor a Buren, da Armleder a Gillick, da Halley a Yan Pei Ming. Una varietà di opzioni linguistiche ed espressive che è frutto di precise scelte collezionistiche orientate a rappresentare al meglio il complesso e articolato panorama della cultura artistica passata e contemporanea.

Driant Zeneli
And Then I Found some Meteorites in My Room
video installation, 22’00” min, live streaming of ISS and sound performance by DJ Sulejmani
Photo credit Andis Rado, Courtesy The Artist and Bazament Art Space Tirane – 2018

THE BLANK CONTEMPORARY ART 
99 PAROLE CON DRIANT ZENELI

“Perché ti interessa lo spazio?” Mi chiese Flora.
“Sono curioso di chi lo osserva. Mi piacerebbe sapere cosa c’è nello spazio tra tuo padre Bujar, alto 1.58 a Metallurgjik, e l’altezza massima della Stazione Spaziale Internazionale (ISS), situata a 400 km di distanza dalla superficie terrestre…”
“Cos’è l’ISS?”
“La Stazione Spaziale Internazionale funziona come un laboratorio dove gli esperimenti sono fatti in condizioni di microgravità nell’orbita terrestre. Dedicato alla ricerca scientifica e gestito come progetto congiunto tra cinque diverse stazioni spaziali.”
E poi il padre di Flora, Bujar, mi chiese a bassa voce:
“Dunque qual è il senso di tutto questo?”
“Il tentativo è quello di creare uno spazio in cui l’opera possa condividere con il pubblico una dimensione fisica e mentale. L’intervista sulla tua percezione dello spazio che hai rilasciato a Fatmira Nikolli a Metallurgjik, entrerà in risonanza con con la trasmissione in streaming delle immagini dalla Stazione Spaziale Internazionale (ISS), a 400 km di distanza dalla superficie terrestre. Tutto sarà quindi catalizzato dai suoni mixati da tua figlia Flora (DJ Sulejmani) durante l’inaugurazione della mostra. In questo modo, il pubblico non solo parteciperà, ma sarà parte integrante dell’opera d’arte, dato che siamo tutti parte del sistema solare”.

Gennaio – Mealurgjik Elbsan – 2018
And Then I Found Some Meteorites in my Room
dal diario di Driant Zeneli

Un progetto di Enrico De Pascale e Claudio Angeleri

Direzione artistica Claudio Angeleri

LADIES SING THE BLUES (dedicato a Silvia Infascelli)
Ogni prima domenica del mese. Da aprile a settembre. Ore 17
Tutti i concerti sono a ingresso libero (sino a esaurimento posti).

Per il quarto anno consecutivo il Chiostro di Santa Marta apre alla cittadinanza per ospitare un’importante rassegna musicale. In sintonia con la vocazione originaria del luogo (il Monastero delle suore domenicane di Santa Marta, fondato nel 1340) il programma prevede l’esibizione di sei formazioni imperniate sulla vocalità femminile. Gruppi che offrono una panoramica delle attuali tendenze della musica blues e jazz valorizzando giovani musicisti e differenti tipi di ensemble: dal duo alla big band. Promossa e patrocinata da UBI Banca, elaborata dal Centro Didattico Produzione Musica (CDpM) sotto la direzione di Claudio Angeleri, la rassegna è dedicata alla memoria di Silvia Infascelli (Bergamo 1958-2015), splendida voce jazz nonché compositrice, autrice e docente, che proprio in Santa Marta ha tenuto uno dei suoi ultimi, applauditissimi concerti. L’apertura eccezionale del Chiostro è anche un’imperdibile occasione per ammirare le importanti sculture che vi si conservano: dalla monumentale “Untitled” (2003) dell’artista anglo-indiano Anish Kapoor, alle “Suore che comunicano” (1971) di Elia Ajolfi, al “Grande cardinale seduto” (1984) di Giacomo Manzù.

Chiostro Santa Marta, Bergamo

• Chiostro Santa Marta domenica 8 aprile ore 17

“Ampio respiro” – Daniela Panetta, voce – Sandro Cerino, sax alto, clarinetto basso, flauto, flauto basso

• Chiostro Santa Marta domenica 29 aprile ore 17

“Gregoriani & Spirituals” – Joyce Elaine Yuille, voce – Enrico Intra, pianoforte

• Chiostro Santa Marta domenica 3 giugno ore 17

“Pure joy” – Joy Grifoni, contrabbasso e voce – Guido Bombardieri, sax alto e soprano – Francesco Baiguera chitarra – Mattia Manzoni piano – Davide Bussoleni batteria

• Chiostro Santa Marta domenica 1° luglio ore 17

“Echi del sacro” Gianluigi Trovesi, clarinetti – Quartetto d’archi Enea Salmeggia Alessia de Filippo e Stefania Trovesi, violino- Irina Balta, viola – Elena Castagnola. Violoncello – Marco Gamba, basso elettrico – Alfredo Montanari Trovesi, percussioni

• Chiostro Santa Marta domenica 5 agosto ore 17

“Dall’Argentina al Brasile” – Dilene Ferraz, voce, flauto – Sergio Fabian Lavia, chitarra, live electronics

• Chiostro Santa Marta domenica 2 settembre ore 17
• “Serenate metropolitane a domicilio” – Rosalba Piccinni, voce – Paolo Manzolini, chitarra –  Guido Bombardieri, sax alto

The Blank ArtDate 2018 | FREQUENZE
25 26 27 maggio – Bergamo

Venerdì 25, sabato 26 e domenica 27 maggio, Bergamo ospita l’ottava edizione di The Blank ArtDate.

Diventato nel corso degli anni un punto di riferimento per gli appassionati d’arte contemporanea e riconosciuto dalla piattaforma europea EFFE – Europe for Festivals, Festivals for Europe per la sua qualità artistica, il coinvolgimento della comunità locale e al contempo il respiro europeo e globale, The Blank ArtDate si propone in una versione eterea ed immateriale, concentrando principalmente gli eventi su audio, video, performance e talk.

La predilezione per interventi effimeri, che si consumano nel momento stesso in cui si attuano (una visione, un ascolto, una conversazione, un evento performativo) ha suggerito il titolo FREQUENZE:
– per frequenza si intende il numero di volte in cui un evento si ripete. Nel caso specifico, una soltanto, destinata però ad ancorarsi, riflettersi e propagarsi nella mente dello spettatore;
– con frequenza si allude al ritmo di un evento, ovvero la percezione del suo movimento;
– nel linguaggio statistico, la frequenza è l’occorrenza di un fenomeno rispetto al numero globale considerato;
– frequenza è la partecipazione ad un’attività;
– frequenza, in un sistema, è naturale (o propria).

Tutte le accezioni secondo cui può essere declinata questa parola concorrono a rappresentare la nuova edizione di The Blank ArtDate.

Nell’epoca dello streaming, dell’on-demand e della condivisione per immagini, la cifra che caratterizza The Blank ArtDate 2018 è l’imprescindibilità della partecipazione del fruitore in un preciso luogo e in un preciso momento. La non-ripetitività delle performance e la non-materialità delle opere sonore e video impongono la presenza fisica del corpo di chi assiste affinché esse possano essere intercettate, codificate, decodificate ed quindi ritrasmesse, raccontate.

Ogni evento è una singola frequenza, una singola onda, una singola vibrazione.

The Blank ArtDate è la sinfonia che ne risulta e che riecheggia nella mente di chi vi partecipa.

Innovativa nel programma dell’ottava edizione è la presenza dell’Ospedale Papa Giovanni XXIII: al suo interno sono calendarizzati due cicli di proiezioni di video d’artista (Yuri Ancarani, Oscar Giaconia, Hanne Lippard, Driant Zeneli). Il palinsesto proposto affronta temi riconducibili alla vita che si conduce in una struttura sanitaria e agli stati emotivi che interessano chi vi transita.

5, 12 e 26 aprile, ore 17:45 

SFOGHI 

Laboratori per adulti condotti da Clara Luiselli, artista ed educatrice museale GAMeC e Accademia Carrara

Continuano gli appuntamenti con i laboratori artistico-esperienziali pensati per un piccolo gruppo di adulti interessati a scoprire il museo senza fretta, per gustare l’arte in un tempo dilatato e concedersi uno spazio nel quale sperimentare e dar valore alla propria creatività.

Questo ciclo favorirà il confronto diretto tra opere d’arte antica e contemporanea, attraverso l’indagine e l’approfondimento di alcuni capolavori della mostra Raffaello e l’eco del mito. Le opere selezionate saranno il punto di partenza da cui ogni volta ci si muoverà alla ricerca di un dialogo con la propria personale sfera creativa.

Calendario:

5 aprile 2018

Laboratorio dedicato all’opera Ri-ve-la-ta di Omar Galliani (1977)

12 aprile 2018

Laboratorio dedicato al dipinto Ritratto di Elisabetta Gonzaga di Raffaello Sanzio (1503-1504 circa)

26 aprile 2018

Laboratorio dedicato all’opera VB62.23.DG.VB di Vanessa Beecroft (2008)

Iniziativa a pagamento

Costo di ciascun laboratorio: 10,00 euro

Ingresso alla mostra Raffaello e l’eco del mito: 12,00 euro (salvo riduzioni o gratuità), previsto solo per la prima partecipazione ai laboratori

Iscrizioni e informazioni:

E-mail: servizieducativi@gamec.it

Tel. 035 270272

Domenica 8 aprile, ore 15:00 

DISEGNIAMO L’ARTE 

Attività per famiglie 

Un’occasione speciale, offerta a grandi e piccoli, per mettersi in gioco e conoscere così gli spazi e le opere della Collezione. Una serie di attività riservate alle famiglie saranno lo strumento di conoscenza attraverso cui sperimentare l’utilizzo della tecnica del disegno, approccio inusuale per un primo avvicinamento agli spazi e al patrimonio di un museo, che consente di intrecciare una relazione di sguardi più esclusiva, attenta e appassionata.

Il lavoro in autonomia – non mediato da educatori, ma guidato da indicazioni, fruibili in modo libero – sarà l’occasione per vivere il museo non solo come luogo in cui osservare, ma anche come spazio d’esperienza, personale e condivisa, in cui liberare la propria creatività.

Evento promosso da Abbonamento Musei Lombardia Milano

Attività autonoma gratuita, offerta a tutte le famiglie con bambini che vorranno prendervi parte.

Informazioni:

E-mail: servizieducativi@gamec.it

Tel. 035 270272

PUBLIC PROGRAM 2018

13, 16, 19 aprile

Artist talk – Incontri aperti al pubblico

Continuano gli incontri del progetto Public Program, la nuova piattaforma di presentazioni, dibattiti e conferenze aperte al pubblico che costituisce una delle maggiori novità della programmazione del 2018 della GAMeC.

Nato dalla collaborazione tra la Galleria e l’Accademia di Belle Arti G. Carrara di Bergamo, il progetto coinvolge numerosi protagonisti del panorama artistico nazionale e internazionale, andando a definirsi come uno strategico punto di convergenza tra le politiche formative dell’istituto bergamasco e le attività della Galleria sul fronte dell’aggiornamento e della mediazione.

Durante la prima parte del 2018 Public Program sperimenterà il format dell’“artist talk”, aprendosi al contributo di autori di generazioni e provenienze diverse coinvolti nell’attività delle due istituzioni, mentre nella seconda parte dell’anno – in occasione della mostra Black Hole. Arte e matericità tra informe e invisibile e in concomitanza con l’apertura del nuovo anno accademico – avrà carattere interdisciplinare e rifletterà, in maniera trasversale, sul tema della materia e sul rapporto tra arti visive e scienza.

Prossimi incontri in programma:

Venerdì 13 aprile 2018, ore 10:30

Riccardo Baruzzi in conversazione con Claudio Musso

Accademia di Belle Arti G. Carrara

Lunedì 16 aprile 2018, ore 10:30

Giuseppe Gabellone in conversazione con Ettore Favini

GAMeC, Spazio ParolaImmagine

Giovedì 19 aprile 2018, ore 17:00

Michel Blazy in conversazione con Lorenzo Giusti

GAMeC, Spazio ParolaImmagine

Incontri aperti al pubblico

Ingresso gratuito

gamec.it

accademiabellearti.bg.it

Sabato 14 aprile, dalle 20:30 alle 08:30

UNA NOTTE AL MUSEO

Laboratorio per bambini dai 7 ai 12 anni

Torna, a grande richiesta, un nuovo appuntamento con l’evento dedicato a bambini e ragazzi dai 7 ai 12 anni che, curiosi e temerari, non vedono l’ora di scoprire altri segreti degli spazi del museo.

Per la notte serviranno un sacco a pelo, un materassino, una torcia e, naturalmente, un pigiama!

Iniziativa a pagamento: € 40,00

Percorso a numero chiuso (min. 15 – max. 25)

Iscrizioni fino a esaurimento posti, entro e non oltre domenica 8 aprile

Iscrizioni e informazioni:

Tel. 035 270272

E-mail: servizieducativi@gamec.it